Тело в искусстве перформанса
«Туша» Петр Павленский 2013
КОНЦЕПЦИЯ
Человеческая жизнь представляет собой самую подлинную, чистую и возвышенную форму искусства. Этот мотив стал ключевым для творцов на протяжении долгих веков становления общества: художники создавали полотна, выковывали скульптуры, сочиняли песни и баллады, посвященные человеку, его телу и душе. На протяжении длительного времени никто не мог использовать свое собственное тело в медиума, инструмента для восприятия искусства зрителями. Со временем консервативные взгляды и подходы уступили место более свободному социальному климату (примерно в 1960-х годах), в период, когда художники почувствовали в себе силы перенести уже устоявшиеся нормы искусства в более личный контекст.
Творцы, работавшие в стиле перформанс, отбросив предрассудки, отойдя от традиционных устоявшихся форм искусства, стали использовать себя, свое личное тело в качестве живой скульптуры и холста. Вызов, который творцы бросали условностям традиционных форм визуального искусства, привел к прямой конфронтации между художником и зрителями, создав поразительно интимный новый способ восприятия.
Что еще может более наглядно продемонстрировать мнение и голос творца, чем, буквальное изображение себя как основного канала коммуникации при высказывании своей точки зрения?
Перформанс, с момента его появления и до наших дней, размыл границу между художником и произведением искусства, поставив человеческое тело в центр внимания как актера, средства передачи, перформанса и холста. Были стерты границы между посланием и посланником, творцом и творением, что придало новый смысл и усилило идею аутентичной перспективы от первого лица. В атмосфере меняющихся общественных нравов и отношения к наготе после 1960-х годов тело стало идеальным инструментом для того, чтобы показать политический, социальный и общественный контекст в более личном ключе. Заставляя зрителей принимать участие в зачастую жестоких, шокирующих и невообразимых переживаниях, перформанс просил их задуматься о роли, которую они играют в темном и неуютном пространстве между невинным сторонним наблюдателем и виновным вуайеристом.
Данное визуальное исследование рассмотрит и проанализирует работы художников-перформанистов, работающих непосредственно с человеческим телом, зачастую своим собственным. Основная цель данной работы — понять, к каким контекстам авторы приурочивают подобные эксперименты со своим телом, существует ли норма дозволенного в подобных представлениях как среди авторов, так и среди зрителей, что заставляет художников предаваться разрушению собственного тела на глазах у публики, а также стали ли подобные акции деятелей искусства более опасными со временем. История перформанса будет рассмотрена начиная с первопроходцев подобных представлений — дадаистов и футуристов, заканчивая современностью, где авторы во время проведения акций получали физический ущерб, привлекая аудиторию к тои или иной проблеме или идее.
ИСТОРИЯ ВОЗНИКНОВЕНИЯ ПЕРФОРМАНСА
Все существующие вариации и виды перформативного искусства, от начала их появления и до сегодняшнего дня, объединены одной глобальной идеей о том, что перформанс — искусство действия. Термин «действие» представляет собой один из самых ранних стилей в современном перформансе. Отчасти он служит для того, чтобы отличить перформанс от традиционных форм развлечений, но также подчеркивает отношение художников к своей деятельности.
Изначально, подобные новые формы искусства и взаимодействия со зрителем, начали интересовать дадаистов, футуристов и сюрреалистов. Они превратили обычные выступления в подобие перформанса, который в то время представлял из себя смесь авангардного театра и хореографии.
«Футуристический Грим» Андрей Шемшурин, Давид Бурлюк, Владимир Маяковский 1914
Позже появились похожие по формату представления: хэппенинги и энвайронменты. Наиболее значимой персоной для этих жанров является художник Аллан Кэпроу, который в своих работах старался стереть грань между обычным миром и миром искусства.
И только ко второй половине ХХ века перформанс трансформировался до такого формата, каким он существует сейчас.
«Двор» Аллан Кэпроу 1961
«Девушки слизывают джем с автомобиля» Аллан Кэпроу 1964
ПЕРВЫЙ ПЕРФОРМАНС И ТЕЛО
«Антропометрия» Ив Кляйн 1961
«Антропометрия» Ив Кляйна — первый перформанс в котором было задействано человеческое тело. В нем Кляйн покрывал обнаженных женщин синей краской после чего девушки, сопровождаемые музыкой его «Монотонной симфонии тишины», укладывались на холст оставляя отпечатки тел поверх него. Эта работа была вдохновлена фотографиями обожженной земли в результате атомных взрывов в Хиросиме и Нагасаки. Пятна изображали следы погибших там людей.
Ив Кляйн воплотил эту идею в перформанс, организовав официальное мероприятие, на котором гости наблюдали за исполнением работы обнаженными моделями.
«Антропометрия» Ив Кляйн 1961
«Антропометрия» Ив Кляйн 1961
Работа отсылает к абстрактной живописи Джексона Поллока, который разбрызгивал краску на свои холсты.
Кляйн уводит подобный физический элемент живописи еще дальше, добавляя в этот процесс зрителей и используя человеческое тело для нанесения краски. Он именует своих моделей «живыми кистями». Используя женское тело подобным образом, Кляйн бросал вызов ожиданиям зрителей относительно художественного процесса и стал прародителем нового направления в перформанс-арте. Включив человеческое тело в процесс создания искусства, Кляйн дал перформативности тела беспрецедентную привилегию в рамках своего дискурса.
«№ 5» Джексон Поллок 1948
Интересно, что эта работа Кляйна его объективация и использование женского тела противоречат большей части феминистского перформанса, который появился позже. Многие последующие художницы возражали бы против использования женских тел в качестве инструмента искусства, а не активных его участников.
«Антропометрия» Ив Кляйн 1961
ТЕЛО И ФЕМИНИЗМ
«Кондиционирование» Джина Пане 1973
Перформанс 1960-х и 1970-х годов, удивительно точно совпал с подъемом второй волны феминизма. Женщины-художницы обратились к перформансу с целью выплеска разочарования к социальной несправедливости. Они также создали прецедент и открыли дискуссию посвященную женской сексуальности и сексуализации. Перформанс позволил женщинам выплеснуть застоявшуюся ярость, стать источником самовыражение в искусстве. Этот вид действия дал им возможность заявить о себе и быть услышанными, чего не происходило раньше.
Вторая волна феминизма позволила женщинам подстроить искусство перформанса под себя, а не бороться с мужчинами в других, уже устоявшихся формах творчества. Они часто обращались к проблемам, которые еще не поднимались их коллегами-мужчинами, привнося в искусство свежий взгляд на существующие проблемы.
Отрежь кусок
«Отрежь кусок» Йоко Оно 1965 (повтор 2001-2003)
Композиция Йоко Оно «Отрежь кусок», впервые представленная в 1964 году, это вызов окружающему миру, яркий и опасный манифест о женском теле, долгое время являющемся объектом эстетического созерцания. Этот перформанс — прямое приглашение аудитории принять участие в обнажении женского тела.
Создавая перформанс как живой опыт, художница надеялась стереть нейтральность и анонимность, которые обычно ассоциируются с объективизацией женщин в искусстве. Для работы Оно молча сидела на сцене в своем лучшем наряде, в то время как зрителям предлагалось подходить к ней и отрезать ножницами куски ее одежды.
«Отрежь кусок» Йоко Оно 1965 (повтор 2001-2003)
В начале перформанса всё шло безобидно и размеренно, но под конец представления люди агрессивно срезали бретельки её бюстгалтера, некоторые из зрителей даже срезали волосы, был также человек позволивший себе замахнуться ножницами над головой Йоко Оно.
«Отрежь кусок», представление заставившее людей взять на себя ответственность за свой личный вуайеризм. Оно показала зрителям на своем личном примере, то как пассивное наблюдение за происходящим может навредить художнику, субъекту восприятия.
«Отрежь кусок» Йоко Оно 1965 (повтор 2001-2003)
Эта работа не только сильное феминистское заявление об опасности объективации женского тела, но и возможность для зрителей почувствовать себя в роли творца, стать причастным к великому искусству.
Реинкарнация святого Орлана
«Реинкарнация святого Орлана» Орлан 1993
Одна из самых известных и новаторских работ Орлан — серия перформансов, состоявщая из девяти пластических операций в начале 1990-х годов. Это был первый случай использования пластической хирургии в художественном перформансе.
Операции, которым подверглась художница, были направлены на изменение ее внешности, для того чтобы сделать черты её лица похожими на женщин написанных великими художниками.
Изменениям подверглись: · Нос — «Диана-охотница"/1550г/Фонтенбло · Рот — «Изнасилование Европы"/1734г/Буше · Лоб — «Мона Лиза"/1503г/даВинчи · Подбородок — «Рождение Венеры"/1486г/Боттичелли
Она также вставила импланты над бровями, чтобы вопреки остальной красоте, придать чудовищности своему образу. После перформанса она регулярно использовала макияж, чтобы подчеркнуть эту часть имплантов под кожей.
«Реинкарнация святого Орлана» Орлан 1993
Во время операций на стенах операционной висели увеличенные изображения желаемых частей лица из этих произведений искусства. На эти картины также опирались хирурги. В ходе операций художница носила костюмы от Пако Рабан и Иссэй Миякэ, а также читала стихи и прозу. Все это представление фиксировалось на видео и транслировалось в прямом эфире в величайших музеях мира.
«Каждая операция соответствовала целенаправленно иной эстетике, с идеей, что на тело настоящих произведений искусства оказывается столько же давления, сколько и на само человеческое тело. Искусство должно встряхнуть наши предубеждения, расстроить наши мысли, выйти за рамки привычных норм, мыслить совершенно нестандартно» — Орлан
«Реинкарнация святого Орлана» Орлан 1993
Орлан стала одной из первых художниц затронувших проблему зависимости женщин от привлекательности, художница превращает свое тело в предмет критики понятия красоты. К слову, деконструкцией своего образа она занялась именно в тот момент, когда многие девушки начали активно прибегать к эстетической хирургии, в попытке соответствовать стандартам красоты.
«Реинкарнация святого Орлана» Орлан 1993
Последний клапан
Боряна Росса — болгарская художница и феминистическая активистка. Ей принадлежит один из самых радикальных женских перформансов ХIХ века. В своей работе «Последний клапан» Боряна затронула острую социальную тему гендерных различий. В перформансе девушка зашивает свои половые губы хирургической нитью, тем самым стирая грань между полом женским и мужским. Это связано с одной из идей манифеста группы ULTRAFUTURO о преодолении гендера навязанного природой.
Название перформанса отсылает к известной одноименной статье Ленина, посвященной критике столыпинской реформы. Боряна Росса своим произведением закрывает открытый клапан, тем самым провоцируя «Взрыв Великой Революции Видов».
«Последний клапан» Боряна Росса 2004
ТЕЛО И ОБЩЕСТВО
«Ритм 0» Марина Абрамович 1974
Ритм 0
«Я — объект» и «В этот период я беру на себя всю ответственность».
«Ритм 0» — перформанс великой художницы Марины Абрамович является своего рода социальным экспериментом, где необходимость участия зрителей стала интересным социологическим взглядом на поведение толпы.
На столе лежало 72 предмета, которые могли принести художнице боль или наслаждение, зрители были вольны выбирать то, что они хотят использовать. По началу, как и в перформансе Йоко Оно, всё было безобидно: публика писала слова на ее коже, фотографировала, щекотала, но со временем посетители стали действовать более агрессивно. Они резали на ней одежду, после чего начинали наносить увечья по всему телу. Обнаженную девушку неприлично трогали, направляли пистолет в её голову. Один мужчина даже проткнул её шею ножом, после чего высосал кровь.
«Ритм 0» Марина Абрамович 1974
В конце концов толпа разделилась на два лагеря: людей защищающих Марину и тех, кто хотел ей навредить. Сама художница сказала, что попав домой после этого представления она обнаружила у себя несколько седых волос.
«Ритм 0» Марина Абрамович 1974
В перформансе «Ритм 0» была затронута великая гамма чувств, от позитивных и счастливых до негативных и яростных. Тело здесь позиционируется как холст, средство и объект манипуляции, в нем скрыт подтекст архетипической самоотверженной женщины.
Марина Абрамович отдала свое тело зрителям, чтобы те стали соавторами её творчества, а не пассивными наблюдателями. Она изучала способы трансформации не только публики, но и собственного «я», за счет противостояния физической боли и истощению.
«Ритм 0» Марина Абрамович 1974
Полоса
«Десятидюймовая полоса, выбритая на головах двух наркоманов, получивших порцию героина в качестве оплаты» Сантьяго Сьерра 2000
Искусство художника Сантьяго Сьерры часто вызывает споры. Порой кажется, что каждый его проект направлен на намеренное унижение достоинств других людей, прежде всего выходцев из социальных низов. Он вынуждает людей совершать бессмысленные, постыдные действия за небольшую плату или дозу наркотиков, в стремлении обнажить перед публикой несправедливости современного мира.
Все его проекты имеют общественный и социальный подтекст, но здесь, в отличие от других художников перформанистов Сьерра использует чужие тела в качестве медиума, пытаясь показать обществу невыносимость его собственных желаний.
«Линия в 30 см, вытатуированная на человеке за вознаграждение» Сантьяго Сьерра 1998
В 1998 году Сантьяго Сиерра провел свою первую акцию, используя человека в качестве живого холста. Материалом представления выступал бедный житель Мехико, который за скромную плату в 50$ согласился вытатуировать на своей спине линию длиной в 30 см.
Поступок мексиканца, отдавшего свое тело в руки татуировщика за гроши, так шокировал художника, что он еще год не решался повторить подобную акцию. Однако искусство диктуется и производится социальными условиями, позволяющими подобные перформансы.
Вскоре Сьерра повторил акцию, вытауровав линию общей длиной в 160 см на спинах четырех работников секс-бизнеса, страдающих героиновой зависимостью. Он снял этот процесс на видео, которое длится 63 минуты и показывает процесс в черно-белом цвете.
«Линия в 160 см, вытатуированная на четырех людях» Сантьяго Сьерра 2000
«в практике Сьерры лежит жесткий политический критицизм… Хотя Сьерра и утверждает, что он не верит в спасительную силу искусства, его работы обладают тревожащей красотой, грандиозным катарсическим эффектом и, безусловно, дают мощный импульс к социальным переменам» — Роза Мартинес
ТЕЛО И ПОЛИТИКА
«Койот: я люблю Америку и Америка любит меня» Йозеф Бойс 1974
Выстрел
Все еще испытывая последствия Второй мировой войны, многие европейские художники были разочарованы аполитичностью абстрактного экспрессионизма. В поисках нового яркого, смелого и вызывающего вида искусства для выражения своей политической позиции, художники вошли в перформанс. В последующие несколько лет крупные европейские города стали местом для проведения амбициозных перформансов.
Что как не живая плоть и кровь может почувствовать на себе ярость боль и страх военных действий?
«Выстрел» Крис Бурден 1971
Один из самых известных и жестоких перформансов Бердена под название «Выстрел», затрагивает идею мученичества, ищет ответ на вопросы связанные с контролем над оружием, в контексте войны во Вьетнаме. Во многих своих перформансах художник намеренно подвергал себя опасности, ставя своего зрителя в сложное положение: вмешаться или следовать табу на взаимодействие с произведением искусства.
Действие перформанса проходило в галерее «FSpace», где художнику прострелили левую руку из ружья на расстоянии 3,5 метра. Пуля прошла насквозь, хотя планировалось, что она лишь слегка заденет руку. Перформанс «Выстрел» — наглядная демонстрация того, что происходит, когда в человека стреляют. Зрители смогли пережить подобный опыт вживую, испытывая шок и ужас, но одновременно мысленно смиряясь с происходящим перед ними действием.
«Выстрел» Крис Бурден 1971
Груз вины
Таня Бругера занимается политическим провокационным искусством. Она использует собственное тело обмазывая его в крови в качестве демонстрации насилия, что является характерной чертой для латиноамериканского авангарда. Ее перформансы не были основаны на физической выносливости и поэтому отличаются от традиций западного перформанса.
В своей работе «Груз Вины» девушка условно пыталась воссоздать историческую сцену, коллективного самоубийства коренного населения индейцев, когда колониразоры из Испании гнали и истребляли население острова Свободы. Девушка, подобно индейцам, медленно поедала горсти родной земли смешанной с водой, в то время как к её обнаженному телу была привязана распоротая туша ягненка.
Ягненок здесь — ничто иное как христианский символ закланного агнца. А сама идея перформанса — огласить проблему геноцида и порабощения кубинского населения.
«Груз вины» Таня Бругера 1997-1999
Фиксация
Петр Павленский — один из самых мощных акционистов современной россии. Его перформанс «Фиксация» — завершающая часть триптиха о бессилии маленького человека перед лицом власти. Художник вышел на Красную площадь и, раздевшись догола, прибил гвоздем свои гениталии к брусчатке. В таком виде он сидел перед Кремлем до тех пор, пока спецслужбы не вытащили гвоздь и не отвезли художника в больницу.
«Фиксация» Петр Павленский 2013
«Голый художник, смотрящий на свои прибитые к кремлевской брусчатке гениталии, — метафора апатии, политической индифферентности и фатализма современного российского общества» — комментарий к акции «Фиксация»
ВЫВОД
Перформанс стал мощным способом выражения внутренних переживаний и мнений художников, где изображение тела творца стало основным каналом коммуникации с аудиторией. Такой подход сделал человеческую плоть и кровь центром внимания в искусстве, размывая границы между зрителем, художником и его произведением. Перформативное искусство предлагало публике не только задаться вопросом о своей роли, и контексте происходящего, но и добровольно испытать большую палитру всевозможных чувств. Кроме того, подобные представления зачастую вызывали у зрителей мысли о непредумышленном вуайеризме в противовес следованию устоявшимся правилам и законам. Когда работы включали в себя сексуальные аспекты или причиняли боль, художники заставляли публику задуматься о собственном участии в перформансе, выборе «правильной» стороны.
Перформанс позволяет зрителю размышлять о глобальных вещах, о которых зачастую не принято говорить: феминизм, политика, религия, проблемы социального неравенства. За счет тонкой коммуникации публики с художником, его чувствами и мыслями, человек находящийся по ту сторону событий начинает ощущать их намного сильнее.
